A la hora de diseñar es muy fácil sentir una falta de inspiración. Nos intimida la página en blanco, el archivo vacío. Cuando empecé a diseñar enfrentaba el problema recargándome de imágenes. Pasaba horas en el scroll infinito de Pinterest, guardando sin intención ni interés de profundizar. Descubrí que indagar sobre otras realidades abría la posibilidad de encontrar referencias más allá de una búsqueda en Google. Aprender del mundo que nos rodea para nutrirse del presente y del pasado, de lo real y de lo imaginario. Los libros de diseño fueron la mejor manera de encontrar referencias peculiares de manera fácil e interesante.
Por eso he recopilado en una lista aquellos libros de diseño que me ayudaron a cambiar la manera en la que diseñaba. Buscando la inspiración en aquellos lugares que solía ignorar. Añadiendo pequeñas notas de reflexión, para explorar cómo las temáticas de cada libro pueden enriquecer nuestros procesos como diseñadores.
No necesariamente son libros de diseño per se (aunque algunos de ellos sí), si no los considero libros de diseño por su capacidad de nutrir lo que es el proceso de diseñar. Añadiendo otra perspectiva a nuestros proyectos.
1. Beauty Book – Stefan Sagmeister y Jessica Walsh.
Libro producido en colaboración entre Stefan Sagmeister y Jessica Walsh bajo el nombre de su estudio conjunto Sagmeister & Walsh y publicado en el año 2018 por la editorial Phaidon.
Aunque sus autores son diseñadores gráficos, este libro es mucho más que eso. Se diferencia del resto de libros de diseño por su vista global sobre un concepto que va más allá de lo esencial: La belleza. Explora, desde un punto de vista conceptual, el alejamiento progresivo de lo bello. El rechazo del ornamento para priorizar la función.
Libros de diseño que otorgan soluciones
Este libro no solo nos da una perspectiva de análisis, sino qué también de acción. Presenta el concepto de la belleza como un agente que propulsa nuestra manera de percibir el mundo, de comportarnos. Expone esta falta de atención a lo bello como un verdadero problema y propone caminos para revertir el camino “anti-decorativo” en el que nos encontramos.
Nos alienta a reflexionar sobre nuestro trabajo cómo diseñadores y a ubicar nuestro papel en la sociedad. A entender nuestra responsabilidad como creadores de piezas gráficas que forman parte del imaginario colectivo.
2. Menu Design in America. 1850–1985 – Jim Heimann, Steven Heller y John Mariani.
Si el libro anterior nos hacía reflexionar acerca de la importancia del diseño decorativo, “Menu Design in America. 1850–1985” nos confirma que la belleza se encuentra en la cotidianeidad.
Este libro es una exploración; y como muchos otros libros de diseño, una recopilación.
Nos sitúa a finales del siglo XIX, cuando en Estados Unidos los restaurantes se convirtieron en algo habitual. Con el auge de la escena culinaria, los menús se transformaron en algo más que una lista de platos. Se volvieron piezas gráficas elaboradas y una especie de souvenir; una parte esencial de comer fuera de casa.
El contexto importa
Menu Design in America explora la relación entre las piezas gráficas y la vida de las personas. Los menús recopilados en el libro existieron en un tiempo y lugar determinado. Formaron parte de este, no como piezas de arte efímeras, sino como artefactos reales, reflejo del contexto en el que se encontraban.
Es interesante poder imaginar cómo era el día a día de personas de otra época mediante piezas visuales cotidianas.
3. El libro de los símbolos. Reflexiones sobre las imágenes arquetípicas.
El libro de los símbolos es un manual de la experiencia visual. Una exploración de los símbolos y sus significados. Recopila ensayos sobre símbolos particulares, acompañados de imágenes de todas las épocas y culturas.
Entre todos los libros de la lista es el que siento que más se acerca a cómo deberían de ser los libros de diseño. Aunque no muestra ninguna pieza de diseño final, explora la simbología que nos rodea y su impacto en nuestras vidas.
Lleva la indagación de lo visual y su papel cotidiano de Menu Design in America a otro nivel y observa cómo estas imágenes del día a día son parte de un inconsciente colectivo.
Lo que todos compartimos
El libro de los símbolos es un libro basado en la obra sobre los arquetipos y el inconsciente colectivo de Carl Gustav Jung.
Jung entiende el inconsciente colectivo como estructuras compartidas por miembros de la misma especie, instintos y arquetipos. Establece la existencia de símbolos universales como el árbol de la vida, el viejo sabio, la sombra… Entender la simbología común como una herramienta nos permite referenciar cuando trabajamos. Explotar aquellas predisposiciones colectivas y reflexionar sobre cómo vemos e interpretamos aquello que nos rodea.
4. Codex Seraphinianus – Luigi Serafini
Codex Seraphinianus no es un libro de diseño. De hecho, no está ni cerca de los otros libros de diseño de la lista. Muchos lo categorizan como uno de los libros más raros que se han publicado jamás. Se trata de una parodia surrealista, una colección grotesca de ilustraciones que representan un mundo imaginario creado por el autor.
El mundo fantástico y ficticio está descrito en forma de enciclopedia, incluyendo fauna, flora, física, química y tecnologías únicas. Todo descrito con un lenguaje ficticio totalmente ilegible.
Lo que no entendemos
Si el libro anterior (El libro de los símbolos) buscaba analizar y categorizar los símbolos comunes, con Codex Seraphinianus tiramos todo eso por la borda. El libro te obliga a imaginar desde un punto partida de confusión e ignorancia. Luigi Serafini afirma que no hay ningún significado oculto en el Codex ni un mensaje profundo o una propuesta artística determinada. Sencillamente pretendía que el libro se lea como lo haría un niño, sin entender o saber leer.
El Codex abraza lo desconocido, el “no saber” como oportunidad creativa. Nos invita a dejar de intentar entender para rellenar los espacios en blanco de manera libre e individual.
5. Wakología: Manual ilustrado para creativos desequilibrados
Ahora toca un poco de autopromo… ;P
Si te interesa conocer más libros de diseño o el proceso de diseño en general te invitamos a conocer más sobre el libro que hemos escrito en waka, donde contamos la historia del estudio creativo y cómo nos hemos organizado para lograr sobrevivir hasta el momento. Combinamos metodologías agile aplicadas al diseño con algo de salseo sobre el estudio y el sector. Recomendado para todas aquellas personas que trabajan o quieren trabajar en el sector creativo (especialmente freelance, estudios de diseño y publicidad, agencias creativas, estudiantes…), pero sobre todo para gente que busque paz mental.
Muy grande Mariví, a ver si te los traes al estudio.